Виды искусств

Введение. Добрый день! Начнем нашу лекцию с краткого экскурса в историю, потому что это затем нам поможет разобраться, почему же появилось кино, что этому способствовало, каким образом кино стало одной из мощнейщих экономических отраслей культуры и искусства и почему за всё время своего существования кино не теряет своей актуальности, а напротив, всё больше становится популярным среди всех возрастных и социальных групп. Вопрос: Всем известны основные виды искусства. Перечислим? Все из них, кроме кино и фотографии, существовали до XX века, у каждого из них была своя аудитория, и у каждого вида есть свои специфические признаки. Обозначим их: В это время картинка на слайд: Группа Отличительный признак Виды Пространственные или пластические виды искусства Пространственное построение в раскрытии художественного образа Изобразительное искусство (живопись, графика, скульптура) Декоративно-прикладное искусство Архитектура Фотография Временные или динамические Развертывающаяся во времени композиция Музыка Литература Пространственно-временные или синтетические (также называют зрелищными) Синтез пространственных и временных видов искусств Хореография Театральное искусство Киноискусство Вопрос: Как вы думаете, почему люди с древности обращались к большинству видов искусства? Что ими двигало? Ответ: Потребность в творчество, освоении культурных ценностей, желание реализовать себя, иначе говоря, с формированием социально-культурной активности появлялось желание и совершенствовать художественно-эстетический вкус, воспитывать в детях потребность к высокому искусству, передавать им таким образом важный культурный код. И это встречалось во всех народах по всему миру, когда еще древний человек запечатлевал на наскальных стенах сцены сражений, памятные события, устраивал праздники по случаю охоты, проводил различные обряды и ритуалы. Вопрос: Но как вы считаете, какой же вид искусства был и есть наиболее близким к кино? Ответ: Конечно, театр! И мы переносимся из глубокой древности на родину театра – древнюю Грецию. Именно там были заложены основы драматургии пьес, представления шли несколько дней, всё это имело огромное значение для горожан. И ни для кого не секрет, что греки любили массовые зрелищные праздники, которые проходили у них в городе – это были Великие Дионисии, который проходили круглый год, затем появилось бесчисленное множество зрелищ состязаний, где были хоры, музыканты, танцоры, и всё это сопровождалось театрализованным зрелищем. Затем древние римляне переняли опыт греков и начали устраивать различные фесциннины, ателланы, сатуриалии, гладиаторские бои, Столетние торжества... В древнеримских праздниках большое значение имели сценические наряды, пластико-хореографические и цирковые номера, в это же время масштабность усиливалась благодаря многообразию и громкости звучащей музыки. Можно вспомнить и знаменитые гладиаторские бои, на которые ходили все жители, поскольку римские правители знали основную формулу, которая помогает воздействовать на человека: «Хлеба и зрелищ». И эта тяга к зрелищности, к яркой картинке, которая поражает человека, зрителя, пронеслась через века. Во времена эпохи Возрождения особенную популярность получил Венецианский Карнавал, в XV веке появились средневековые мистерии, на площадях, в т.ч. и на Руси устраивали различные представления скоморохи, бродячие артисты, ставили балаганные театры, кукольные. И это всё было очень востребовано простым населением. Существовала большая разница между представлениями для простого люда и светских официальных торжеств, где можно было встретить специально разработанный сценарий, обширное использование различных технических средств, декоративных конструкций, фейерверков. Для представителей высшего общества были доступны музеи, кто-то и сам собирал в своих дворцах и замках коллекции картин и скульптур; дети учились игре в шахматы, посещали театры. Затем были созданы первые клубы по интересам, где собирался весь бомонд тех времен. В аристократических семьях с детства приучали к правильному распределению свободного времени и выбор для досуговой деятельности был достаточно широк, чего нельзя сказать о простолюдинах, где была постоянная работа и редкие выходные, в которые, фактически, не знали, как же себя занять. И со временем разница между досугом обычных людей, крестьян, рабочих и досугом светских людей, вельмож, чиновников, становилась всё больше. Более того, фактически все высокие виды искусства становились всё больше непостижимыми для простых людей: они не могли просто так прийти в музей, чтобы насладиться живописью, не посещали театральные постановки с участием действительно великих артистов. Для них оплотом культуры было народное искусство – самобытное, яркое, и в то же время простое и понятное каждому, не требующее особенных усилий для того, чтобы вникнуть в суть представления. Предпосылки появления кино. XIX век. И вот мы постепенно подошли к XIX веку. Наука всё глубже проникала в общество, на второй план уходила церковь, появилась свобода вероисповедания, значительно снизилась церковная цензура, высоко ценилось образование. Перемены были совершенно везде. Именно тогда были сделаны научные и технические открытия, которые привели к изменению образа жизни людей. К концу XIX столетия появился пароход, автомобиль, началась эра воздухоплавания, были открыты телеграф, телефон, газовое и электрическое освещение, радио, фонограф, фотография. Изобретения следовали одним за другим, фабрики и заводы открывались в больших количествах – это была эпоха индустриализации. И обычный человек, рабочий или фабрикант, трудился на износ: стремясь прокормить себя и свою семью, он работал без выходных и праздников, например, в России рабочий день мог достигать 14-16 часов в сутки. В конце XIX века были приняты первые законы о продолжительности рабочего времени, в России рабочий день длился среднем 11,5 часов, а в Европе и США немного меньше – 10 часов. Безусловно, закон соблюдался не всегда, а сверхурочные были слишком малы. И именно в XIX веке впервые появились совершенно другие, принципиально новые подходы к пониманию культуры и искусства. Насколько мы помним, тогда появилось множество различных художественных направлений, начала активно формироваться массовая культура, в газетах даже стали регулярно печатать длинные романы с занимательным сюжетом и рабочие, в основном, женщины с нетерпением ждали выхода нового выпуска с продолжением захватывающей истории. Вопрос: с чем можно сравнить такие публикации? Ответ: данные длинные романы, которые печатались из газету в газету, стали прообразом телевизионных сериалов. И тогда впервые философы, такие как Кант, Гегель, Шелинг, Фейербах, Шопенгауэр, Ницше начали высказываться о роли искусства в обществе, требовать принципиально новые подходы к художественной жизни общества. Требовался новый формат, новый вид искусства, который бы стал понятен каждому, увлек и обычного человека, и зажиточного, предоставил возможность культурно и интересно провести своё свободное время. Это было время глобальных перемен – которые включали в себя технические, философские, художественные и научные изменения. И всё это вместе привело к созданию совершенно нового «народного» вида искусства, которое отвечало сознанию личности человека девятнадцатого века и любимо до сих пор большинству людей века двадцать первого. И имя этому искусству: КИНО. На слайд: Кинематограф был изобретен братьями Луи и Огюстом Люмьерами. Аппаратура братьев Люмьер оказалась очень удобной, с её помощью было легко снимать и демонстрировать фильмы на большое экране. Это и стало основой для успешной кинематографической деятельности. Первая публичная демонстрация была дана в Париже еще в марте 1895 года, но днем рождения кино считается 28 декабря 1895 года – именно тогда состоялся коммерческий киносеанс в подвале «Гран Кафе» на бульваре Капуцинов. В своих сеансах Люмьеры демонстрировали несколько коротких роликов меньше минуты, первым из которых стал «Выход рабочих с фабрики», но самым популярным стал ролик под названием «Прибытие поезда», который производил неизгладимое впечатление на зрителей. Основными жанрами французского кино стали комедия, мелодрама, приключенческий фильм, детектив. Кино быстро завоевывает сердца людей, вне зависимости от их материального положения и социального статуса. Фактически, главной предпосылкой для возникновения экранной культуры стало то, что в обществе назрела необходимость в совершенном средстве запечатления и тиражирования фиксированной реальности. И таковым средством фиксации и становится кинематограф, который воплотил в себе наиболее современную картину мира, существующую в сознании человека: поскольку живопись была написана сотни лет назад, скульптура создана в античности, а театр отражал совсем не то, что хотел видеть обычный зритель в свой выходной день. Кино было современным, своевременным, технически оснащенным, интересным и массовым, интересным для общества. Культура и общество – процесс взаимосвязанный и неотделимый друг от друга. По сути каждый исторический период характеризуется каким-то особенным видом искусства, который отражает социум. И в конце XIX века общество сформировало определенную модель социальных отношений и кинематограф явился своеобразным её символом, откликом на потребности аудитории, рассчитанным на массового зрителя. Как писал известный венгерский сценарист и теоретик кино Бела Бала: «эпоха капитализма породила единственное искусство – искусство кино» (можно на слайд). Вопрос: Какую ключевую особенность кино можно выделить? Ответ, он же вывод: Таким образом, основной ключевой особенностью кино становится его массовость: 1. Ориентация на широкую аудиторию, на массового зрителя. Как мы говорили ранее, живопись – сложное искусство, необходимо разбираться в различных нюансах, истории, мифологии, философии. Литература – тоже сложное искусство, где важно уметь определять конфликт, изучать характеры героев, проживать с ними определенные события. В музыке нужно уметь слушать и слышать, определять многоголосие, чтобы действительно насладиться звучанием симфонии, сонаты, оперы. А в кино этого не требуется: есть зрелищная картинка, которая как было сказано раньше, всегда привлекала людей (греческие праздники, римские гладиаторские бои, венецианский карнавал), на которую можно смотреть и, в целом, совершенно понятный любому зрителю без ограничений. 2. Способность массового тиражирования. Тираж чего-либо заменяет его уникальное проявление массовым. В этом и принципиальное отличие от театра – каждая постановка уникальна, её невозможно повторить. Любой повтор картины не будет иметь никакой ценности, поскольку будет являться лишь копией. А кино, репродуцируясь технически, позволяет массово распространять различные одинаковые фильмы. И при этом за входной билет, за просмотр кино необходимо заплатить деньги. Бала Балаш определил кино как первое «по-настоящему народное» искусство. В этом и заключается дуализм кинематографа: являясь коммерческой индустрией, он в то же время очень часто претендует на то, чтобы считаться искусством. Кино в Российской империи, СССР, России. В Российской империю кино пришло на следующий год после премьеры во Франции – в 1896 году в театре летнего сада «Эрмитаж» после окончания спектаклей показали фильмы братьев Люмьер. Кинопоказы стали модным развлечением, и кинотеатры начали появляться во многих крупных городах России. До 1908 года вклад российских предпринимателей в мировой кинематограф ограничивался прокатом импортных фильмов и эпизодическими съемками документальных короткометражных лент. Исключением были документальные съемки эпизодов из жизни царской семьи. Первые российские художественные ленты представляли собой экранизации фрагментов классических произведений русской литературы («Песнь про купца Калашникова», «Идиот», «Бахчисарайский фонтан»), народных песен («Ухарь-купец») или иллюстрировали эпизоды из отечественной истории («Смерть Иоанна Грозного», «Петр Великий»). Российское национальное кино высокими темпами наверстало отставание от европейских киношкол и быстро доросло до новаторских работ. В 1911 году на экраны выходит первый в России полнометражный фильм «Оборона Севастополя». В 1912 году выходит в прокат первый в мире мультфильм, снятый в технике объемной анимации — «Прекрасная Люканида, или Война усачей с рогачами». В 1914 году начинается Первая мировая война, что идет только на руку кинопроизводителям: закрываются границы страны, а вместе с ними перекрываются и все пути, по которым западные фильмы могли попасть в Россию. Отечественные производители получают монополию на производство и прокат фильмов. Это приводит к тому, что все больше и больше людей начинает заниматься кинематографом. До революции сняли такие полнометражные художественные фильмы: «Пиковая дама», «Дворянское гнездо», «Война и мир. Известный театральный режиссер Всеволод Мейерхольд снял «Портрет Дориана Грея». А затем произошла революция, которая практически никак не отразилась на российском кинематографе. Даже в журнале «Кино-газета» была опубликована информация о съемках текущих и будущих фильмов, светские сплетни и почти ни слова о событиях в стране. Лишь изредка упоминались трудные времена и захват революционной властью кинематографов на местах. Пока дореволюционные киностудии и кинопрокатные фирмы продолжали свое дело, революционное правительство начало закладывать фундамент для будушего пролетарского кинематографа. Так была основана Ленинградская студия документальных фильмов (ЛСДФ), которая в те времена называлась «Союзкино» и сегодня известна как «Санкт-Петербургская студия документальных фильмов». В 1918 году был создан «Ленфильм» - крупнейшая и старейшая киностудия Советского Союза, где сняли первый советский игровой полнометражный фильм Уплотнение». Сценарий написал нарком просвещения Анатолий Васильевич Луначарский, съемки велись ударными темпами, причем проходили не на студии и в декорациях, а в служебных помещения кинокомитета Петрограда. Основание собственных киностудий и съемки собственных фильмов стало большим шагом вперед для отечественной киноиндустрии. Новая власть прекрасно понимала важность кино, его эффективность и влиять на настроения граждан. Основными продуктами кинопромышленности в конце 1910-ых - начале 1920-ых годов стали агитационные ленты и кинохроника. Это объяснялось тем, что такие фильмы не требовали практически никаких финансовых затрат и в то же время в доступной и популярной форме рассказывали зрителю о великих свершениях Советской власти. В 1922 году Владимир Ленин в беседе с Луначарским заметил, что необходима определенная пропорция между увлекательными кинокартинами и научными, подчеркнул важность производства новых фильмов, отметил необходимость цензуры и в конце добавил знаменитую фразу: «вы у нас слывёте покровителем искусства, так вы должны твёрдо помнить, что из всех искусств для нас важнейшим является кино». Постепенно укреплялась материально-техническая база компаний, были построены специальные киностудии, строились производственные цеха по обработке кинопленки и записи звука, появлялись цеха мультипликации. В 1925 году был создан знаменитый «Броненосец «Потемкин» Сергея Эйзенштейна, который неоднократно в разные годы признавался лучшим или одним из лучших фильмов всех времен и народов. Интересный факт: по сюжету фильма в финале восставшие поднимают над броненосцем красный флаг, но кино тогда было черно-белым и флаг, соответственно, выглядел черным. Вопрос: Как вы считаете, что же предложил Сергей Эйзенштейн? Ответ: На съемки взяли белый флаг, а затем на 108 кадрах его раскрасили вручную в красный цвет. Это произвело неизгладимое впечатление на зрителей, которые пришли на просмотр в Большой театр. Сергей Эйзенштейн стал и автором удивительного режиссерского приема, который называется «монтаж аттракционов», когда объекты, идеи и символы показаны в столкновении, таким образом достигается максимальное интеллектуальное и эмоциональное воздействие на зрителя. При этом Эйзенштейн полагал, что этот монтаж должен быть ритмичным, динамичным. В театре такого сделать было практически невозможно, а вот в кино нарезать определенные кадры, собрать их в особенном для режиссера порядке – стало возможным. К 1930 году политику НЭПа свернули, и вместе с ней была окончательно установлена тоталитарная система отношений между государством и кинематографом. 13 февраля 1930 года было создано “Всесоюзное объединение по кинофотопромышленности” или “Союзкино”, которое монополизировало совершенно все отрасли киноиндустрии. В ведение “Союзкино” перешли кинофабрики, прокатные пункты, кинотеатры и т.д. Тогда же началось освоение и внедрение звукового кинопроизводства и уже в 1931 году был выпущен первый звуковой полнометражный игровой фильм «Одна». Через год была организована Лаборатория цветного кино и начали снимать цветные анимационные фильмы. А в 1935 году прошел и первый фестиваль фильмов: Советский кинофестиваль, который сегодня известен как Московский международный кинофестиваль. До войны снимались в основном фильмы «полезные» для аудитории, воспитывающие в них определенное отношение к советской власти. Совсем недавно прогремела революция – её нужно было отразить. Была гражданская война – и снимали фильмы про неё, про Чапаева. Экранизировали литературную классику, снимали мультфильмы по русским народным сказкам. Культивировали через кино и образ Сталина. В военное время не было возможности осваивать новую кинотехнику, но съемки не заканчивались. Снимались фильмы, отражающие военные действия, в которых рассказывались подвиги героев, прививалось чувство патриотизма. Это были и военные рассказы, и документальные очерки, и в целом основной задачей было создать антифашистское настроение и поднять боевой дух советских граждан. В конце 1941 года-начале 1942 года Красная армия осуществила контрнаступление под Москвой и это снимали 15 фронтовых операторов. Затем на основе отснятого материала режиссеры Илья Копалин и Леонид Варламов создали кинофильм «Разгром немецких войск под Москвой». Данная картина в 1943 году получила премию «Оскар» за лучший документальный фильм. В послевоенное время начался период «малокартинье», как его назвали потом исследователи. Финансирование было минимальным, не выпускались комедии, музыкальные и спортивные фильмы. А потом началась оттепель. Изменились настроения в обществе, слегка «ушла» цензура. И стиль советского кино тоже поменялся – если до войны первостепенной задачей было создать у зрителей особенное отношение к чему-либо, то в 50-х годах начали снимать фильмы о людях, реальных чувствах, заботах. Безусловно, отголоски войны были еще в памяти людей. Но теперь снимали не только фронтовые будни. Известный всем фильм «Летят журавли» режиссера Михаила Калатозова – драматичный, о жизни тех, кто остался ждать родных и близких, о трудностях, с которыми сталкивались обычные женщины и мужчины. Фильм «Летят журавли» стал единственным советским полнометражным фильмом, который получил главный приз Каннского кинофестиваля. Другой фильм о мальчике, который потерял родителей на войне стал фильм «Иваново детство» Андрея Тарковского. Этот фильм был удостоен «Золотого льва святого Марка» Международного кинофестиваля в Венеции и принес мировую славу Тарковскому. Следующего Золотого льва советский фильм получил лишь в 1991 году – им стал «Урга – территория любви» Никиты Михалкова. Если продолжить тему премий, то важно упомянуть следующие фильмы, которые получили премию «Оскар». Таковыми стали: 1968 год – «Война и мир» режиссёра Сергея Бондарчука; 1975 год – советско-японский «Дерсу Узала» режиссёра Акиры Куросавы; 1981 год – «Москва слезам не верит» режиссера Владимира Меньшова. Можно также отметить режиссёра Станислава Ростоцкого: его картины дважды номинировались на «Оскар»: «А зори здесь тихие…» в 1972 году и «Белый Бим Чёрное ухо» в 1978 году. Вопрос: многие советские фильмы популярны и сегодня. Давайте вспомним их? Ответ: «Ирония судьбы, или с легким паром», «Операция Ы», «Любовь и голуби», «Служебный роман», «Девчата», «Кавказская пленница», «Место встречи изменить нельзя», «Кин-дза-дза» и т.д. Вопрос: А режиссеры? Помните их? Ответ: Леонид Гайдай, Георгий Данелия, Леонид Быков, Василий Шукшин, Эльдар Рязанов… Вопрос: как вы думаете, почему же эти фильмы смотрят и сегодня? Ответ: потому что отражаются ценности, которые не утратили своей актуальности и сегодня, поднимаются вечные темы любви, предательства, смерти. Вопрос: Как мы помним, кино и общество неразрывно связаны. И что же произошло в конце 80-х годов в СССР? Ответ: Перестройка. Первым делом, во время перестройки были изданы ранее неизвестные советские фильмы, которые не показывали широкому зрителю из-за «идеологических ошибок». Отсутствие цензуры наконец позволило режиссерам снимать именно те фильмы, которые они хотели, с тем сюжетом, который волновал именно их. Многие режиссеры, такие как Карен Шахназаров, Кира Муратова вспоминают, что тот период стал самым благоприятным для создателей: если до перестройки было госфинансирование фильмов, но была цензура. После развала Советского союза цензуры не было, но и финасирование было прекращено. А в период перестройки были и деньги, и свобода творчества. Вопрос: как вы думаете, что стали снимать режиссеры? Ответ: события в обществе. Это был переломный исторический период для всей страны, что отразилось и в кино. Начали снимать так социальную драму и так называемую «чернуху». Вы наверняка знаете эти фильмы: «Интердевочка» с Еленой Яковлевой, «Игла» с Виктором Цоем, «Маленькая вера» режиссера Василия Пичула. В то же время появилось и «паралелльное кино», которое было создано как бы в противовес западному независимому. Это было непрофессиональное кино, режиссеры использовали просроченную пленку, любительскую кинокамер. Режиссеры экспериментировали, искали себя, работали с разным материалом и разными актерами. Кино стояло в одном ряду с такими досуговыми занятиями как посещение театров, концертов, художественных музеев и выставок. Кино было равным в ряду искусств. И тут наступил 1991 год. Страна была в упадке. Кино – тоже. Этот кризис продлился на долгое время. Редко выходили кассовые фильмы, вы их тоже наверняка знаете, они неоднократно транслировались ранее по телевизору: это «На Дерибасовской хорошая погода или на Брайтон-Бич опять идут дожди», «Ширли-мырли», «Особенности национальной охоты», «Анкор, еще анкор!». Режиссеры искали теперь не только себя, но и место человека в обществе, которое было сложным, криминальным, жестким. Вопрос: какой фильм стал поистине культовым в 90-е годы? Ответ: «Брат» Алексея Балабанова. Данила Багров в исполнении Сергея Бодрова полюбился многим, несмотря на его действия, которые нельзя сказать правильным. Цитаты из фильма разошлись по стране, а сам Данила стал чуть ли не народным героем. Самая знаменитая фраза: «Вот скажи мне, американец, в чем сила? Разве в деньгах? Вот и брат говорит, что в деньгах. У тебя много денег, и чего? Я вот думаю, что сила в правде: у кого правда, тот и сильней!». А сам Балабанов говорил, что фраза считалось ему глупой, но почему-то понравилась и он её оставил – времени для съемок было всё меньше, а сценарий был написан за всего за неделю, а фильм был отснят всего за 1 месяц. Затем Балабанов снимет «Брат-2», «Война», «Жмурки», «Груз-200» и все эти фильмы станут определенными вехами в эпохе не только самого режиссера, но и российского кино – Балабанов, пусть и жестко и не всегда подходяще, показывал реалии общества, злободневные, острые темы, где-то саркастически высмеивал стереотипы. В 90-е снизился выпуск фильмов, уменьшилось количество кинотеатров, особенно в сельской местности и небольших городах. В 1991 году количество кинотеатров уменьшилось в 2 раза, а абсолютный минимум был достигнут в 1996 году, когда было выпущено всего 30 фильмов. Год Количество фильмов 1991 год 350 фильмов 1992 год 140 фильмов 1994 год 75 фильмов 1996 год 30 фильмов Год Посещаемость 1989 11-12 билетов на человека 1991 6 билетов на человека 1993 2 билета на человека Год Количество кинотеатров Киноустановки 1987 4865 153 000 1991 2 000 40 000 Отношение к кино у российского зрителя изменилось. Начала формироваться новая киноаудитория: на смену прежнему советскому кинозрителю приходил зритель, воспитанный в системе ценностей западного, прежде всего, коммерческого кино, которое мы сейчас рассмотрим дальше. Западное кино. Кинобизнес в Америке появился в то же время, как и во всем мире. Кинофильмы пытался создать еще Томас Эдисон, но изображение передавалось на небольшой экран, поэтому именно изобретение братьев Люмьер положило начало западной киноиндустрии. Условно развитие киноиндустрии в Америке можно разделить на три этапа. 1 Этап. Начало киноиндустрии. Конец XIX века – середина 1910-х гг. Становление новой отрасли народного хозяйства. Можно выделить следующие черты: • высококонкурентный быстро развивающийся рынок; • бурный рост числа производителей и показчиков; • отсутствие прямого вмешательства со стороны государства. Изначально основное внимание уделялось производству и распространению киноаппаратов, при том, что фильм сам по себе имел второстепенное значение и не являлся целевым продуктом для бизнеса. Репертуар составляли короткие и несложные сцены, в число которых входили обыденные ситуации, спортивные сюжеты, юмористические эпизоды и др. Но по мере развития киноиндустрии довольно быстро произошел переход к совершенно другой мысли: в основе лежал зрелищный контент, а кино должно было приносить прибыль. Появилась монополизация. Таковой стала компания Motion Picture Patents Company, которая ввела систему роялти и лицензионных выплат к независимым компаниям. Трест стремился контролировать все ключевые процессы в отрасли, включая производство материалов (пленка), производство фильмов и аппаратов, распространение и показ. Это можно рассматривать как первую попытку создания вертикально интегрированной схемы управления кинобизнесом. Определяющим фактором стало создание и продажа киноаппаратов, появились первые прокатные конторы. Они покупали Они покупали пакет фильмов и затем продавали их показчикам по цене, составляющей некоторую часть от цены покупной. Появились и так называемые «никелодеоны» - дешевые кинотеатры для массового зрителя, вход стоил всего 5 центов. К 1908 году таких кинотеатров появилось более 3 000. США рассматривали кино как принципиально новый продукт, который способен заменить другие виды развлечений. Поэтому потребовалось формирование специализированных институтов-показчиков кино. 2 этап. Развитие. Середина 1910-х годов – 1950-е гг. Вопрос: Как вы думаете, что же появилось уникального в США в то время? Ответ: Голливуд (Оскар тоже можно засчитать). Заброшенная придорожная закусочная была переделана в киностудию, которую назвали «Студия Нестор». Затем это здание стало «Кинолабораторией Голливуда». Ярко выраженной особенностью студийной модели кинобизнеса являлось то, что капитал и творческие кадры в 1910-е гг. устремились именно в штат Калифорния. Зачастую именно независимым кинокомпаниям приписывают ключевую роль в формировании этой модели, поскольку они вынуждены были на неравных условиях конкурировать с Компанией кинопатентов, самостоятельно организовывая продажи и нацеливаясь на успех новых повествовательных фильмов. Причин для переезда в Голливуд было несколько: 1. Дешевая земля; 2. Благоприятные природные условия, позволяющие снимать фильмы круглый год; 3. Местный ландшафт, подходящий для съемок исторических фильмов и популярных в то время вестернов; 4. Отдаленность от Нью-Йорка, где была база пантентной компании; 5. Близость границы Мексики, куда можно было сбежать в случае судебных споров с кинотрестов. Так появился кинематограф, в котором главными стали мейджоры (majors) или суперстудии. Вы их знаете и сегодня: • «Парамаунт» (Paramount) и «Юниверсал» (Universal), • «20 Век Фокс» (20th Century Fox), • «Уорнер Бразерс» (Warner Brothers), • «Коламбия Пикчерз» (Columbia Pictures), • «МГМ» (MGM), • «Юнайтед Артистс», • «Дисней» (Walt Disney Production). Производство фильмов носило конвейерный характер, а монополия сменилась олигополией. Студии создавались таким образом, чтобы максимально эффективно обеспечивать бесперебойную работу над сценарием, непосредственно съемки и послесъемочный период. При этом творческие кадры, включая режиссера и актеров, часто закреплялись за студиями на основе долгосрочных трудовых контрактов. Была даже создана некоммерческая организация Ассоциация кинопродюсеров Америки, которая существует и сегодня, выполняя такие функции, как защита интересов голливудских студий, участие в регулировании законодательства в области кино, системы рейтингов фильмов, сбор и анализ статистических данных и др. В 1910-е и 1920-е гг. произошел бум строительства кинотеатров, кино прочно вошло в повседневную жизнь населения, став одним из наиболее востребованных видов развлечения. Важно отметить, что мейджоры стали самостоятельно инвестировать в строительство кинотеатров, обеспечив тем самым бесперебойные показы своих фильмов. Первыми вложились в строительство «Парамаунт», а затем и остальные суперстудии стали содержать свои кинотеатры. Кинотеатры быстро распространялись по стране – к примеру, в период с 1923 по 1930 гг. их число увеличилось с 15 до 23 тыс. Количество выпущенных фильмов за период с 1929 по 1940 гг. колебалось на уровне 600-700 фильмов в год. Во время войны Великой депрессии посещаемость заметно уменьшилась, но затем снова возросла: в среднем американец ходил в кинотеатр 30-35 раз в год вплоть до 1945 года. В 1929 году появилась специально учрежденная премия Американской академии кинематографических искусств и наук – Оскар. Эта церемония популярна до сих пор и транслируется в прямом эфире в десятках стран мира. Таким образом, в первой половине XX века суперстудии достигли своего пика развития. Мейджоры владели всей цепочкой создания стоимости, начиная с производства и заканчивая показом. После пика наступил кризис: ввели антимонопольный акт, который запрещал отныне суперстудиям содержать собственные кинотеатральные сети. Причинами кризиса стало и то, что послевоенное общество изменилось. Начала повышаться рождаемость населения, жители стали мигрировать из больших городов в пригороды. Тогда же стало доступным телевидение и увеличилось благосостояние граждан. Кино отошло для американцев на второй план. 3 этап. Современное состояние. Новый Голливуд. Конец 1950-х годов – XXI век. Суперстудии сохранили свой бренд и производственные мощности, однако стали частью крупных международных конгломератов. Постепенно увеличивался бюджет фильмов. В 1972 году средняя стоимость производства голливудского фильма составляла 2 миллиона долларов, а в 2003 году возросла до 66,3 миллионов. Мейджоры сосредоточились на массовых дорогих проектов, которые мы все знаем под названием «блокбастеры». В настоящее время к последним относят кинофильмы по таким критериям, как крупный бюджет, поддержка суперстудий, высокая окупаемость (в частности, большие валовые сборы в первый уикенд). Идейная основа для массового фильмопроизводства на современном этапе развития американского кино – это так называемый «high-concept film». Данное понятие означает переход в массовом кино к сюжетам и историям, которые доступны и понятны каждому и которые в рекламных целях можно легко выразить одним предложением. В результате, фильмы по содержанию и исполнению стали разнообразней, у потребителей увеличился выбор, кинокомпании старались занять разные рыночные ниши. Конвейерная схема в ее классическом виде уходила в прошлое – мейджоры сократили количество выпускаемых проектов, при этом увеличив их стоимость и затраты на продвижение. Важно также отметить то, что в Америке сложилась весьма своеобразная система государственной поддержки кинематографа. Так, в стране нет понятия прямого безвозмездного финансирования отрасли на подобии того, что существовало в СССР. Американская система нацелена, прежде всего, на экономическое стимулирование отдельных компаний и регионов. Для этого используют следующие способы воздействия: • особые налоговые режимы для продюсеров (освобождение от уплаты 20-30% от налога на прибыль), • частичные возмещения затрат на производство на территории США, • льготное предоставление локаций, • гранты. Современная модель киноиндустрии США примечательна и другими социальными аспектами. Во-первых, произошли существенные перемены на уровне занятости – если ранее работники, включая режиссеров, были закреплены за мейджорами на основе трудовых контрактов, то сейчас отношения между работодателями и представителями творческих профессий основываются на краткосрочных договорах. В отрасли стали востребованы агенты по трудоустройству, которые представляют интересы, например, актеров и подбирают для них подходящие проекты. Рынок труда, в целом, стал более гибким и конкурентным, что привело к высокой мобильности и текучести кадров, для которых увеличился выбор желаемого проекта. Во-вторых, на уровне потребления конгломератная система также оказалась эффективной. Весьма интересно, что потребление кино, по сути, заметно сократилось: с 36 билетов на душу населения в 1945 г. до уровня в 5-6 билетов на душу населения в начале 2000-х гг и всего 4 билетов в 2010-х. При этом валовые сборы выросли более чем в 6 раз. Итак, уже 100 лет американская студийная система существует практически в незменном виде. Можно сказать, что она стоит на трех китах: 1. Система звезд, которая сложилась еще в эпоху Чарли Чаплина. 2. Большие бюджеты. 3. Современные технологии. Сегодня западное кино по-прежнему популярно как среди американцев, так и среди русского зрителя. Вопрос: Давайте же назовем известных западных режиссеров? Ответ: Квентин Тарантино, Питер Джексон, Кристофер Нолан, Фрэнсис Форд Коппола, Дэвид Линч, Стивен Спилберг, Мартин Скорсезе и т.д. Вопрос, А теперь давайте назовем российских режиссеров? Ответ: Тимур Бекмамбетов, Федор Бондарчук, Леван Габриадзе, Дмитрий Дьяченко, Жора Крыжовников, Сарик Андреасян. Состояние Российского кино сегодня и сравнение с киноиндустрией в США. Сегодня можно отметить, что в нашей стране также стремятся развивать и популяризировать кинематограф. В стране происходит постепенное возрождение отрасли, которая оказалась в запустении после распада СССР. Немаловажную роль в этом играют стимулирующие (в том числе субсидирование, введение налоговых льгот и системы рибейтов) и протекционистские меры (регулирование графика релизов фильмов) со стороны государства. Приоритетная поддержка оказывается лидерам российской кинопромышленности. Также в фокусе внимания государства находятся авторское и документальное кино, кинодебюты, сериалы. Это способствует созданию конкурентоспособного национального и мирового бренда российского кино. В отдаленной же перспективе ожидается, что отечественный кинематограф будет развиваться в рамках частных инициатив. Кинопроизводство Российской Федерации в 2020 году обеспечили: 30 киностудий, в распоряжении которых 104 павильона, 24 хромакея и пять натурных площадок. Крупнейшими киностудиями Москвы являются «Амедиа», «Моя студия», Киноконцерн «Мосфильм», который в конце 2019 года получил разрешение на строительство нового многофункционального культурного центра, включающего в себя киноконцертный комплекс и новый киносъемочный павильон, а также Центральная киностудия детских и юношеских фильмов им. М. Горького. В Санкт-Петербурге основными киностудиями являются «Объединенные Русские Киностудии» и «Ленфильм». В Москве сконцентрировано наибольшее количество киностудий – 15. В Санкт-Петербурге расположены четыре студии, в Уфе и Хабаровске – по две. По одной киностудии располагается в Екатеринбурге, Ханты- Мансийске, Якутске, Краснодаре, Казани и Саратове. Киносервисные услуги осуществляют 46 организаций. Крупнейшими по числу предоставляемых услуг являются «СинеЛаб» (Москва, 11 видов услуг), «Студия ВЕК» (Санкт-Петербург, 9 видов услуг) и «29 февраля» (Екатеринбург, 8 видов услуг). Москва – безусловный лидер по количеству киносервисных компаний, так же, как и по количеству киностудий. Наиболее часто предлагаемыми являются услуги по компьютерной обработке материалов в монтажно-тонировочный период, а также аренда съемочного оборудования (камеры, операторская техника, транспорт). Отдельное значение имеют лидеры российского кинопроизводства, которые определяются Попечительским советом «Фонда кино». Статус лидера российского кинопроизводства позволяет получить государственную поддержку. Лидерами российского кинопроизводства являются: • «ТаББак» Тимура Бекмамбетова (Базелевс) • «СТВ» Сергея Сельянова • «Арт Пикчерс Студия» Фёдора Бондарчука и Дмитрия Рудовского • «Студия ТРИТЭ Никиты Михалкова» • «Enjoy Movies» братьев Андреасян и Георгия Малкова • «Нон-стоп продакшн» Александра Роднянского и Сергея Мелькумова • «Централ Партнершип» холдинга «Газпром-медиа» • «Дирекция кино» Анатолия Максимова • «ПРОФИТ» Игоря Толстунова • Yellow, Black and White На уровне производства в России действуют: • вертикально интегрированные структуры («ПрофМедиа», «СТС Медиа» и другие), • продюсерские центры («Централ Партнершип»), • независимые продюсерские компании и частные студии (Студия «Три Тэ», «Всемирные Русские Студии» и другие), • государственные киностудии («Мосфильм», Центр национального фильма, Свердловская киностудия и другие), • иностранные компании (Fox Int., Sony). В США производителями являются мейджоры, входящие в состав крупных конгломератов, мини-мейджоры и независимые компании. Важно отметить, что для Америки совместное производство (копродукция) уже давно является обычным явлением, в то время как в России данный вид деятельности в кинопроизводстве еще предстоит развивать. На уровне дистрибуции в России действуют: • прокатные представители голливудских мейджоров («20 Век Фокс СНГ», «WDSSPR», «UPI»), • российские компании, работающие преимущественно с фильмами американских суперстудий («Централ Партнершип», представляющая фильмы Paramount, «Каро Премьер», представляющая фильмы Warner Bros.), • независимые дистрибьюторские компании (West, «Синема Престиж», «Люксор» и другие), • бывшие КВО (региональные прокатные организации). В США нет такого разнообразия компаний в данной сфере, в частности, нет государственных дистрибьюторов (аналогов КВО). В Америке в качестве дистрибьюторов выступают, как отмечалось выше, мейджоры, мини-суперстудии, независимые дистрибьюторы, отдельные продюсеры . На уровне показа в России действуют: • коммерческие киносети («Каро Фильм», «Люксор», «Формула кино» и другие), • независимые кинотеатры (не входящие в кинотеатральные сети), • государственные учреждения культуры, • муниципальные кинотеатры (детские киноцентры и иные учреждения, находящиеся на бюджетном финансировании). В США основой подотрасли показа выступают крупные частные киносети и независимые показчики. Наибольшую прибыль крупным киностудиям приносят зрелищные фильмы, снятые с использованием компьютерной графики и спецэффектов и в силу этого изначально предназначенные для просмотра на широком экране. Независимое (артхаусное) кино изначально не поддерживалось крупными кинокомпаниями. Крупные кинокомпании организуют производство кинофильмов как коммерческую деятельность, поэтому коммерческие интересы продюсеров обычно превалируют над художественными устремлениями режиссёра. Тем не менее, во всех крупных киностудиях (Miramax Films при студии Диснея, Focus Features при студии Universal, Fox Searchlight при 20th Century Fox) открыты специальные подразделения, основным направлением которых является именно съемка независимого кино. В России артхаусное кино не находит своей поддержки, крупнейшие кинокомпании и продюсеры отказывают в съемке, поскольку не находят данное кино коммерчески выгодным. В России отсутствует киносеть специализированных артхаусных кинотеатров, в большинстве городов страны зритель не приучен к подобным кинофильмам. В результате «кино не для всех» можно посмотреть на большом экране лишь в городах-миллионниках (прежде всего в Москве и Санкт-Петербурге, а также в Екатеринбурге, Ростове-на-Дону, Нижнем Новгороде, Самаре и некоторых других). Таким образом, в России возникает феномен так называемого «ограниченного проката» – выпуска узконаправленных фильмов небольшим тиражом (от 1 до 20 кинокопий), путешествующих по стране в течение длительного периода времени (отдельные картины находятся в прокате до одного года и дольше). Авторское кино vs блокбастеры. Сегодня продукцию свободного рынка блокируют успешные блокбастеры, трудности с прокатом, и, самое главное, низкие бюджеты фильмов. Сейчас киноиндустрия переживает время, когда вкусы зрителя возвращаются к 30-40-ым годам прошлого века. Зрителя снова привлекают знакомые имена среди актеров ("система звезд"), а также новые технологии, что, разумеется, создает ситуацию, при которой независимое кино остается в андерграунде. Вопрос: давайте назовем известные блокбастеры XXI века? Говорим о западном кино. Ответ: фильмы Марвел, Звездные войны, сага Гарри Поттер, Властелин колец, Аватар, Пираты Карибского моря, мультфильмы Душа, Холодное сердце, История игрушек, Шрек, Тайна Коко. Вопрос: а теперь давайте назовем известные блокбастеры XXI века российского производства? Ответ: Елки, Сталинград, Ирония судьбы – 2, Легенда #17, Горько. Наиболее ярким примером успеха в российском кинопрокате стал фильм «Холоп» Несмотря на скромную рекламную кампанию, «Холоп» собрал в прокате больше, чем два одновременно вышедших с ним фильма, «Вторжение» и «Союз спасения». За 2 месяца проката «Холоп» 3,044 млрд рублей и, таким образом, стал самым кассовым российским фильмом, демонстрировавшийся в кинотеатрах России и СНГ за всю историю российского кино. Известен мультфильм «Маша и медведь», который популярен по всему миру. А самый яркий провал постиг военный приключенческий боевик «Семь пар нечистых» (2018). Он получил от государства 119 млн рублей, но собрал в прокате всего 1 млн рублей. Среди мультфильмов лидером антирейтинга прибыли числится «Баба Яга. Начало», который получил безвозмездную поддержку в 138 млн рублей, а собрал лишь 1,3 млн. Возвращаясь к противостоянию блокбастеров и авторского кино, необходимо сказать, что у авторского фильма совершенно отличная от массового кино экономическая модель. Авторское кино оперирует символическим и культурным капиталами, к которым равным образом имеют доступ и создатели фильма, и зрители. Изначально позиционируя себя как искусство, авторское кино является для зрителя своеобразным маркером его тонкого вкуса, образования, эстетического восприятия. Любовь к авторскому кинематографу является таким же социальным символом, как дорогая машина или хороший костюм. Признавая, скажем, что он любит фильмы А. Тарковского, зритель сообщает не столько о своей привязанности, сколько о своей образованности, о своей принадлежности к социальной группе интеллектуалов. Условия традиционного кинорынка, где всем управляют такие приземленные понятия, как спрос и предложение, не действенны для кинематографа авторского. И, сответственно, не действенны для него классические маркетинговые стратегии. Для продвижения блокбастера достаточно грамотно сделанного трейлера, красочных постеров и нескольких известных фамилий в списке актеров. Авторское кино такими методами продвигать нельзя, потому что оно существует в абсолютно другой культурной плоскости. Сам термин впервые был введен французским критиком и режиссером Франсуа Трюффо в 1954 году. В то время, как в обычных кинотеатрах демонстрировались популярные современные фильмы, Трюффо предпочитал смотреть старое "авторское" кино в здании синематеки. Собственно синематеку можно назвать первым "арт-хаусом". Сейчас этим термином принято называть собственно авторское кино, однако изначально так назывались кинотеатры, репертуар которых считался интеллектуальнее и художественнее, чем в обыкновенных кинотеатрах. Вокруг таких кинотеатров формировалась своеобразная публика, чаще всего студенты, представители богемы, интеллектуалы. Во Франции, родине кино, появились и первые серьезные журналы кинокритики, которые противопоставляли себя популярному глянцу, точно так же, как авторские фильмы противопоставлялись массовому кино. Подобные журналы долгое время выполняли функцию фильтра, через который просеивалось все выходившие кино, массовое отделялось от авторского. Формировался новый потребитель - интеллектуал (или человек, желающий принадлежать к "клубу" интеллектуалов). Для такого потребителя мнение авторитетного критика или знакомых киноманов было гораздо более действенно, чем любая реклама. В век Интернета, благодаря тематическим социальным сетям типа “IMDB” или “Кинопоиск”, в которых можно получать рекомендации по фильмам в зависимости от своих просмотров или же опираясь на просмотры других пользователей, количество потребителей интеллектуального кино возросло. Таким образом, появилась так называемая коллаборативная фильтрация – человек теперь может выстроить свои вкусы, опираясь на суждения другого человека. Вопрос: работает ли этот принцип для массового кино? Ответ: да, безусловно. Чем-то рынок авторского кино напоминает рынок изобразительного искусства. Как и арт-рынок, рынок интеллектуального кино имеет дело с символическим обменом и потреблением символических благ. Полотна современных художников продаются на аукционах за сумасшедшие деньги. Потребитель искусства сначала выстраивает свои представления о качестве того или иного произведения (причем, чаще всего выстраивает он их на основе прочитанной критики или мнениях людей, которым он доверяет, т.е. своему "клубу"), а после покупает его, тем самым утверждая себя, как обладателя не только уникального полотна или скульптуры, но и тонкого ценителя искусства вообще, интеллектуала и эстета. Эта схема действительно похожа на ту, по которой функционирует авторское кино. В отношения производитель – продавец - потребитель точно так же добавляются новые составляющие: мнение компетентных членов "клуба", некая общепринятая значимость произведения и т.д. Основное различие же заключается в том, что каждое произведение искусства - единственно и уникально. Приобретая картину, человек приобретает ее для себя, подчеркивая свой уникальный статус. Фильм же, каким бы авторским он ни был, выходит в прокат, его видит неограниченный круг лиц. Поэтому просмотр авторского фильма скорее можно сравнить с походом в музей, чем с покупкой картины на аукционе. Создатели авторского кино существуют в плоскости социального капитала и оперируют в основном им. Авторский фильм скорее попадет в шорт-листы престижных фестивалей, чем продукт мэйджоров, создавая своим авторам (в том числе и продюсеру) определенную репутацию, которая потом сможет сыграть им на руку. Наиболее удачным для режиссера-автора является нахождение как бы на стыке двух рынков - материального и символического. Это дает режиссеру возможность - снимая, по сути, авторские фильмы, - использовать для их создания бюджеты крупных студий, наиболее известных актеров, самые последние технологии и прочее. Разумеется, контент, создаваемый такими авторами, должен быть несколько упрощенным - режиссер в любом случае не должен забывать о том, что фильм с большим бюджетом, в первую очередь, должен окупиться, а чтобы окупиться, необходимо привлечь наиболее широкую аудиторию. Идеальное сочетание - авторский фильм с мощными спецэффектами, знаменитыми актерами и не слишком сложным философским подтекстом. Такой фильм способен привлечь и обычного зрителя, и интеллектуала. Наиболее яркий фильм – это фильм «Довод» Кристофера Нолана. Большинство шли именно на имя режиссера, снявшего «Начало», «Темного рыцаря», шли на Роберта Паттинсона, и в целом получили, что хотели: отличная визуальная картинка, зрелищность, философский подтекст, загадка. Вопрос: давайте порассуждаем, на какие фильмы вы ходите чаще? Авторские или нет? Какие нравятся? Какие нет? Плавно переходим к современным трендам. Современные тренды. Сейчас киноиндустрия – это больших кассовых фильмов, годом мэйнстрима. Все чаще в прессе и блогах стали говорить об общей "марвелизации" (термин произошел от названия американской корпорации “Марвел”, производящей комиксы и, соответственно, фильмы по ним) кинематографа. Иначе говоря, складывается ситуация, при которой на большой экран попадает совершенно невероятное количество мэйнстримовых фильмов, а процент независимого и авторского кино сокращается. При этом, по сути методы привлечения зрителя, которыми пользовались продюсеры мэйнстримового кино, за последние сто лет практически не изменились. Следовательно, причину надо искать в самом зрителе. Массовое кино возвращается к своему исходному аттракционному состоянию - зритель готов платить за развлечение. Тут уместно будет обратиться к довольному популярному в среде критиков сравнению массового кино и фастфуда. Фастфуд популярен, потому что, несмотря на свою вредность, это вкусная, дешевая, а главное - быстро приготавливаемая еда. Массовое кино не может предложить зрителю философские концепции или же эстетическую красоту, зато оно великолепно развлекает, помогает убить время, уйти от реальности. То же и со сроками: если режиссеру-автору требуется иногда очень много времени, чтобы закончить фильм в то время как кинофраншизы категории А пополняются новыми фильмами каждый год. Вопрос: что означают категории фильмов? Ответ: Данная классификация появилась во времена Золотого века Голливуда. Тогда были популярны сдвоенные киносеансы, первой шла популярная крупнобюджетная картина, т.е. фильм категории А, а затем малобюджетная коммерческая кинокартина – фильм категории Б. Существуют также фильмы категории Z – низкобюджетные картины, которые имеют еще более низкое качество. Иначе говоря, кинематограф категории А действительно является полноценной индустрией с мощной конкурентной борьбой за влияние на рынке (чаще всего ведущейся между крупными корпорациями - киностудиями мэйджорами). Массовое кино работает на исключительно широкую аудиторию, которую впечатляют и привлекают те же "три кита" индустрии, что и в 30-80 годы двадцатого века: привлечение звезд, новые технологии, большие бюджеты, обеспечивающие зрелищность картины. Следовательно, и при продвижении такого фильма стоит сконцентрировать внимание потенциального потребителя на этих моментах. Такую стратегию еще называют "фансервисом", то есть, работой в угоду аудитории. Как работает фансервис, легко увидеть на примере фильмов компании “Марвел”. Эти фильмы являются экранизациями комиксов, они объединены общей вселенной, в которых пересекаются герои разных сюжетных линий. Успех фильмов “Марвел” бесспорен: каждый год выходит сразу несколько картин, которые привычно собирают огромную кассу. Вопрос: в чем успех фильмов Марвел? 1. В них появляются герои, любимые зрителями. 2. Героев играют популярные актеры. 3. Грамотные трейлеры. 4. Представление на комик-конах. 5. Большой бюджет. Вопрос: Но почему же многие ходят в кинотеатры? Ведь фильмов с хорошим сюжетом и известными героями можно посмотреть и дома, на телевизоре. Ответ: телевидение не передает качество. Зрителю нужна зрелищность. Создатели фильмов категории Б ресурсами голливудских мэйджоров не обладают, поэтому, чтобы привлечь своего зрителя, им приходится использовать совершенно другие стратегии. Такое кино паразитирует на "запретных" темах - ужасах, войнах, сексе и так далее. Например, фильмы ужасов, выпускаемые мэйджорами, больше напоминали романтические мелодрамы, в то время как постеры подобных фильмов категории Б обещали зрителю кровавые и откровенные представления. Если кино категории А (то есть, условно говоря, кино, в понимании братьев Люмьер) является продолжением традиции публичных театров и ярмарочных представлений, то кино категории Б стало прямым потомком французского Гранд Гиньоля - театра, на сцене которого вместо обычных пьес разыгрывались сцены убийств, похищений, изнасилований и т.д. Кроме этого явно эксплуатационного характера фильмы категории Б нередко открыто паразитируют на более успешных проектах - как мэйнстримовых, так и авторских. Таким образом, лучшей рекламой такого фильма становится его "похожесть" на более знаменитый прототип. Можно вспомнить огромное количество римейков, выпущенных в России за последние годы. Это и «Кавказская пленница», и «Ирония судьбы». Все мы называли эти фильмы популярными, поэтому режиссеры решили спекулировать на этом, зная ностальгическую нотку большинства российских зрителей. Они планировали, что люди поведутся на известный бренд фильма, пойдут в кино. Но такового не случилось, более того, на известных ресурсах можно видеть невероятно низкие рейтинги данных фильмов. Почему же не зашло зрителям? Ответ прост: кино – это всё-таки вид искусства и должен нести определенную важную ценность для зрителя. Более того, кино постепенно эволюционировало. От немого кино – к звуковому, от черно-белого – к цветному, от простых роликов – к сложным фильмам с непростым сюжетом, над которым хочется думать, размышлять. Вопрос: Но в таком случае, почему по-прежнему авторское кино, которое зачастую гораздо интереснее блокбастеров, не является таким популярным? Ответ: Скромный бюджет, малая окупаемость, проблемы с распространением, отсутствие собственного рынка по типу Голливуда или Болливуда. Та же премия Оскар, которая рассматривает исключительно мэйджровые фильмы, практически не берется независимыми картинами. Европейские фестивали здесь гораздо более открыты для авторского кино. То, что было бы неприемлемо на Оскаре, легко брало самые престижные мировые награды в Европе, поэтому для молодых авторов, позиционирующих свои фильмы как произведения искусства, именно международные фестивали стали основным. Сейчас кинофестивали - основная площадка для продвижения независимого кино. Для большинства независимых режиссеров и продюсеров кинопоказы на фестивалях - это самый удобный способ получить зрительскую аудиторию для своего фильма. Для многих серьезных независимых режиссеров это то место, где они надеются получить покупателя своего фильма, потому что каждый крупный фестиваль собирает огромное количество агентов, занимающихся дистрибьюцией и широким прокатом. Фестивали не только способствуют популяризации и распространению авторского фильма, но и нередко открывают миру кинематограф стран, киноиндустрия которых существует в отличных от американских и европейских реалиях. Ярким примером такого культурного обмена является как раз кино СССР, которое всегда было представлено на крупнейших мировых фестивалях. Киноиндустрия в СССР всегда была достаточно закрытой, и, хотя отечественные фильмы всегда удачно проходили в советском прокате, за рубеж они поставлялись редко, а подчас и случайно. Вспомним картину «Летят журавли». Этот фильм никогда бы не покинул пределы СССР, если бы на его съемках совершенно случайно не оказался французский режиссер Клод Лелуш, который пришел в такой восторг от фильма, что немедленно по его выходу связался с приемной комиссией Каннского фестиваля и добился участия фильма в конкурсной программе. В итоге "Летят журавли" не только стали единственным отечественным фильмом - лауреатом главного приза Канн, но и побили рекорды проката - в одной лишь Франции фильм посмотрело более пяти миллионов зрителей. Вспоминая историю развития киноиндустрии в СССР, можно отметить, что кинокритика была лишь придатком общей пропагандистской системы СМИ и не могла способствовать развитию интереса к авторскому кинематографу и формированию новых интеллектуалов, единственное, на что оставалось полагаться молодым режиссерам, был интерес к "запрещенному" искусству. Уникальность общественно-политической ситуации в СССР заключается в том, что запреты и массовая критика способствовали зарождению интереса к авторскому кинематографу, причем не только у интеллигенции, но и у простого народа. Так, например, фильмы Андрея Тарковского - режиссера крайне специфического и доступного далеко не всем - производили настоящий ажиотаж. Полнометражный дебют Тарковского "Андрей Рублев" (1966) даже в ограниченном прокате в СССР посмотрели почти три миллиона зрителей, и это несмотря на жесткую цензуру и отрицательные отзывы о фильме. Слава запрещенного фильма была так велика, что его старались посмотреть буквально все. Таким образом, именно цензура стала невольным проводником авторского кино в СССР. Помимо Тарковского известность благодаря трудностям с цензурой получили такие режиссеры, как Марлен Хуциев, Алексей Герман, Кира Муратова, Александр Сокуров и многие другие. В современной России складывается такая же ситуация, достаточно вспомнить «Левиафан» Андрея Звягинцева. У "Левиафана" изначально возникли трудности, так как в фильме употребляется нецензурная лексика, что запрещено российским законодательством. По этой причине "Левиафан" не только не получил прокатное удостоверение, но и был снят с программы Московского кинофестиваля. Общественный интерес подогревался также тем, что "Левиафан" получил приз в Каннах за лучший сценарий, а позднее был выдвинут на Оскар в категории "Лучший иностранный фильм". В итоге к абсолютно авторскому фильму интерес был велик, что определило его успешность на российском рынке. Вопрос: Но это скорее исключение, чем правило. Авторское кино, бывает, совсем не популярно. И тогда возникает вопрос: зачем же известным актерам сниматься в авторских фильмах? Ответ: Звезды идут сниматься у авторов потому, что это для их столь же взаимовыгодного обмена, как и для автора со зрителем. Человек, всю жизнь снимавшийся в голливудских блокбастерах, уходит к автору в надежде зарекомендовать себя как серьезного актера, приобрести некую кинематографическую респектабельность, понравиться критикам. В то же время с приходом известного лица автор приобретает мощную рекламу, огромную потенциальную аудиторию и перспективы работы с другими известными актерами. Таким образом, видно, что авторское кино зависит не столько от бюджетов и прокатной политики, сколько от представлений об интеллектуальности – причем, как автора, так и его зрителя, - актуальности, общественной ценности. Заключение. Давайте вместе подытожим, что же характеризует кино: 1. Массовость; 2. Зрелищность; 3. Большой бюджет; 4. Система звезд; 5. Технологии. Почему российское кино в редких случаях становится популярнее западного? Перечислим проблемы: 1. Дефицит квалифицированных кадров, что ведет за собой низкий уровень сценарной, режиссерской, актерской работы. 2. Тематическая избирательность государственной поддержки по отношению к кинопроектам. 3. Пиратский кинопрокат. 4. Задержка прокатной платы. 5. Недостаточность собственных средств отечественных кинопроизводителей. Если ранее режиссеру и актерам платило государство в СССР, то затем пришлось искать средства самостоятельно. 6. Несоответствие отечественных кинопроектов международным стандартам кинорынка. Ранее был социальный заказ – сегодня нужно исследовать аудиторию самостоятельно. 7. Сильная региональная дифференциация производства отечественных кинофильмов, что вызвано концентрацией организаций, оказывающих услуги кинопроизводства в Москве и Санкт-Петербурге. Остальные регионы используют телевизионную или даже любительскую технику для производства фильмов. 8. Устаревшая инфраструктура государственных киностудий. В целом можно выделить одну главную проблему: российский зритель предпочитает посещать фильмы, которые были созданы в США, поскольку в большинстве своем они отражают не только интересы зрителей, но и охватывают современные политические и социальные проблемы, отличаясь при этом высоким качеством изображения, звука. Таким образом, можно отметить, что зритель становится всё более искушенным и западные фильмы идут на контакт с аудиторией, отвечают спросу. А российское кино до сих пор не восстановилось после перестройки, когда прекратилось финансирование от государства, а социальный заказ стал минимальным. Проблема распространения авторского кино не только в бюджете и качестве кинофильмов, но и в большинстве зрителях, которые всё же пока еще не ждут от кино практически ничего, кроме развлечения. Поэтому потенциально интересные и сложные фильмы вынуждены снижать планку, чтобы быть понятыми зрителями и «отбить» бюджет. Поэтому и существует дуализм киноиндустрии: С одной стороны, это художественный компонент, социальный капитал. Смысл, сверхзадача, которую вкладывает режиссер. С другой стороны, коммерческий подтекст, который, как бы то ни было, является основой для благосостояния и режиссера, и актеров, и съемочной группы. При этом необходимо «отбить» бюджет, который был потрачен на съемки фильма, декорации. И продюсерам, как и режиссерам важно помнить, что если фильм понравится аудитории, то можно рассчитывать на хорошие сборы. Если же нет, то будет провал. И кино лавирует между этими положениями, одновременно стремясь и угодить зрителю, и извлечь выгоду, и предложить что-то действительно стоящее и интересное, потому что это всё кино – это искусство и требует особенного подтекста. Эволюционирует ли кино? Да. Потому что зритель становится всё больше искушенным. Причем именно фильмы эволюционируют гораздо быстрее и продуктивнее, чем остальные виды искусства. Нельзя сказать, что, например, живопись угасает, но разве можно сравнить комиксы и шедевры Эпохи Возрождения? Разве выгодно отличаются популярные сегодня песни с симфониями Бетховена? Нет. В то же время если вспомнить фильмы столетней давности и сравнить их с современными, то выгодно отличаются именно те, которые сняты сравнительно недавно. Положение кино в иерархии культурных населения изменчиво и зависит от состояния общества и его ценностных приоритетов, массового спроса и преимущественной востребованности тех или иных социальных функций кино, которое в массовом сознании является не только искусством, но и развлечением, и частью образа жизни активных, деятельных людей. Зрительская аудитория кино (в том числе потенциальная) пока все еще находится в ожидании адекватного предложения со стороны кинематографистов. Как будет дальше – покажет время и кинотеатры.